«Umarmung» 2005, colour pencil on paper 
«Pin-up I» 2003, colour pencil on paper
«Hockende III» 2006, colour pencil on paper
«Portrait mit Stiefeln» 2003, colour pencil on paper
«Portrait III» 2006, colour pencil on paper
«Knieende» 2002, colour pencil on paper
«Stehende II» 2004, colour pencil on paper *
«Portrait II» 2004, colour pencil on paper
Anja Schrey nasceu no ano de 1967 em Viersen na Alemanha. Estudou de 1992 a 1998 na Academia de Artes de Düsseldorf. Após períodos com bolsas (Ringenberg e Kaiserring) concedidas por Fundações de Arte do Estado da Renânia do Norte-Westfália (2000 e 2004), foi viver para Berlim em 2006, onde trabalha e vive atualmente.
«Portrait II» 2004, colour pencil on paperAnja Schrey nasceu no ano de 1967 em Viersen na Alemanha. Estudou de 1992 a 1998 na Academia de Artes de Düsseldorf. Após períodos com bolsas (Ringenberg e Kaiserring) concedidas por Fundações de Arte do Estado da Renânia do Norte-Westfália (2000 e 2004), foi viver para Berlim em 2006, onde trabalha e vive atualmente.
A sua arte gira em torno da imaginação e de fantasias sobre a identidade feminina. O seu modelo de referência é o corpo humano, neste caso o próprio corpo, cuja performance ela encena nas mais variadas "poses", em tamanhos super dimensionados, ou em auto-retratos. Os desenhos, com lápis de cor sobre papel branco, refletem menos a reprodução do motivo, inerente à fotografia, mas são resultado de um longo processo quase meditativo de apropriação, tradução e pormenorização da figura.
Segundo Hans-Jürgen Hafner, a primeira reação do espectador ao se confrontar com o desenho é dizer: "parece real!" As figuras parecem estar vivas, tão reais que dir-se-ia pudessem ser tocadas. Mas, apesar do efeito causado por esse existir super-realista, elas mantêm-se reservadas, quase como se quisessem ganhar vida própria.
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Crítica:
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Over the last five years Schrey has made a remarkable collection of works on paper, augmenting her drawings through photography and performance. In all cases, it is always Schrey - the artist - who is the focus. Though she appears as the ‘constant’ throughout, the means by which she arrives at her varying poses often involves the participation of other people. It is not unusual for Schrey to invite others to suggest the differing guises, gestures and very often the clothing that she should wear. This ‘collaboration’ as such, through staged photo-shoots, manifests itself in poses that seem unnatural, forced and ill at ease.
Schrey is distinctly aware of the tradition within which she works and the sometimes contested history of the female body in Twentieth Century art practice. However, her performances and drawings do not operate on the same ‘sensationalist’ level as her forbears – they are ‘slower’, seemingly more modest, psychological as opposed to physical. And despite the implied eroticism in some of the works, they remain distant, cold, troubled – they attract and they repel. For instance, Schrey never engages in direct eye contact with the viewer, instead she avoids her audience favouring to stare into a space beyond the margins of the drawing.
For Schrey, the drawing process acts as another layer of mediation and of distancing before the work is ‘re-presented’ back to the public. Drawing for Schrey signals a process of ‘re-clamation’ through which the artist seizes control and ownership once again of her image and of her self. It is a process of impressive skill and solitude. Alone in the studio, Schrey immaculately arranges her drawing table with hundreds of colour pencils all beautifully sharpened and fanned through the colours of the rainbow. It epitomises the precision and intent with which Schrey, through the act of drawing, almost ‘surgically’ reconstructs her self image.
Michael Stanley, Milton Keynes Gallery
Michael Stanley, Milton Keynes Gallery
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Quel réalisme ! Voilà la réflexion qui nous vient presque naturellement à l’esprit lorsque nous voyons pour la première fois les dessins au crayon de couleur d’Anja Schrey. Et de fait, la figure (à l’image de l’artiste, qui se décline sur le papier dans des tenues et des poses sans cesse renouvelées) a l’air étrangement vivant, quasi palpable. Pourtant, en dépit de leur immédiateté, ces représentations conservent leur éloignement. Malgré leur présence, autrement dit l’effet produit par leur caractère hyper-réaliste, elles demeurent lointaines. Comme si elles conservaient une vie propre, qui resterait curieusement hors d’atteinte, même en y regardant de plus près. De prime abord, tout semble limpide. De toute évidence, Schrey est la clé de voûte de cette série de dessins. Réalisés au crayon de couleur sur papier, ils montrent des « portraits d’Anja Schrey ». L’artiste est non seulement le motif – résultant d’une pose et d’un habit qui se combinent pour générer l’image elle-même – mais aussi la réalisatrice, en tant qu’elle mène à bien le passage du projet de l’image à son résultat fini, dont les dimensions sont d’ailleurs très imposantes. Ce double rôle participe de certains principes fondamentaux : la tradition du réalisme (ce concept européen « classique » de reproduction de la réalité) compte beaucoup dans la réception, et des schémas interprétatifs émergent, tels que la catégorie de « l’autoportrait ». Il se peut que l’observateur, selon son degré de connaissance anticipée, identifie la présence particulière de Schrey à travers le réalisme plus grand que nature, pour ainsi dire, de ces portraits.
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(…) Les dessins de Schrey s’ancrent visiblement dans une perspective d’actualité : ici, aujourd’hui. Ils assument leur rôle de dessins en transmettant des codes parfaitement lisibles. Certes, la figure pose, mais elle s’entoure aussi et surtout de nombreux accessoires (vêtements, chaussures, coiffures) – tout un folklore qui inscrit l’œuvre dans un temps donné.(…) Pour autant, Schrey ne recourt pas aux vêtements et aux styles dans le seul but de faciliter l’identification. Ces éléments proposent en parallèle, et de façon indissociable, une sorte de mise en lumière d’une chronologie de « l’identité construite ».
(…) De plus en plus, l’apparence s’affirme comme un moyen délibéré d’insister sur la possibilité d’un « soi » central, exprimé par son va-et-vient entre une sorte de féminité exacerbée et une attitude de pin-up plus voulue que maîtrisée, ou encore entre un regard interloqué et hautain et un état renfermé, calme et explicite. Comme un aparté : le modèle interprétatif que l’on nomme lisibilité trouve ici sa limite, en tout dernier lieu. Il déploie une scène où projeter… (…) Le dessin résulte d’autre chose que du trait de crayon : la méthode est celle qu’on utilise pour fabriquer une image imaginée, développée en amont et restée longtemps détachée du « réel ». Voilà qui limite fortement la vie propre de l’œuvre ; le lien unissant la figure au support qui la fait exister tient plus de la mise au point d’un appareil photo, de sorte que la composition se subordonne au cadrage. Les contours dégagent nettement la figure de l’arrière-plan. (…) Chaque figure ressort par contraste, soigneusement et minutieusement travaillée, avec une naïveté presque didactique. Isolée, solitaire, déconnectée, fixée sur la blancheur écrasante du papier, la figure se concentre dans les limites des pré-histoires qui l’ont générée, et fige la tension extrême d’un instant dont la possible vie passée et future demeure secrètement et étrangement tangible. L’ultime manifestation de ses surfaces faites main, ou mieux, de sa texture haptène, s’opère hors du tableau. Carrément à distance du mur. Les feuilles étant simplement punaisées à la cimaise à l’aide de quelques pointes, la différence de nuance entre le papier et le mur est quasiment imperceptible, d’où un dangereux vacillement entre la présence plus grande que nature des figures (dont le rendu, en termes de lumière, d’ombre, de hauteur, de contours et de textures, est pratiquement physique) et leur façon de flotter, autonomes, devant le mur dont elles semblent s'affranchir.
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Hans Jürgen Hafner
Tableaux vivants, 2004, (extrait), Les Filles du Calvaire
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