terça-feira, novembro 27

Marina Fedorova, Leningrado / Rússia - pintura contemporânea

Autumn Time series «Autumn time 2» 2006-07, oil on canvas

«Arrivederci» 2006-07, oil on canvas

«She's waiting» 2006-07, oil on canvas

Blue Story series «Present for me» 2004, oil on canvas

«Sun city» 2004, oil on canvas

Red Story Series «Glass of champagne» 2004, oil on canvas

The Girl on the Bridge series «Stop cadre 10» 2007, oil on canvas

Red Story series «Tango» 2004, oil on canvas

The Girl on the Bridge series «Stop cadre 9» 2007, oil on canvas

Red Story series «My Muse» 2004
Reflections series «In front of shop window» 2007, oil on canvas

«Hot pizza» 2007, oil on canvas

«Reflection 2» 2007, oil on canvas

«Reflection 3» 2007, oil on canvas

«Liv Tyler» 2007, oil on canvas

Black and White series «In the train» 2007, oil on canvas

Fashion series «Yves Saint-Laurent» 2006, oil on canvas

«Hopper's girl» 2006, oil on canvas
Live in Paris series «The Girl» 2007, oil on canvas

«Red light» 2007, oil on canvas

«Pair» 2007, oil on canvas

Marina Fedorova was born in 1981, on Leningrad, Russia and graduated from the Mukhina Art Academy in 2006. Defense of her thesis was quite a performance. Fashion designer and illustrator, Fedorova painted a white dress right on a model whom she met face to face at the podium. Professional precision of Fedorova’s manner was immediately noticed by many critics and viewers of the first solo exhibition of her graphic compositions that took place at D137 gallery in May 2005. This year, the artist exhibits two of her new series of paintings at XL gallery in Moscow and D137 gallery in St. Petersburg. One of the series is devoted to the cult figures of fashion art, including Coco Chanel, Yves Saint-Laurent, Vivienne Westwood, Yohji Yamamoto and photographer Helmut Newton. Another is an homage to such heroes of American art as paint Edward Hopper and film director David Lynch (Fedorova borrows the title for one of her paintings from Lynch’s film “The Straight Story”). The very title of the exhibition, Autumn Time, refers to the famous 1968 hit Summer time and the living is easy as well as to Jackson Pollock’s masterpiece Autumn Rhythm: No. 30, 1950 (Pollock and Lee Krasner also appear on one of the paintings). Marina Fedorova is distinguished by her ability to show her subject in the flash of its total disclosure. At the same time, the artist does not yield to the style and spirit her protagonists, even if they are legendary fashion designers. She definitely has her own style and there is no reason that it would make her to give up being herself. Portraits of fashion designers and genre pictures-frames are made in Fedorova’s own style – they employ the manner of cinema posters of the Nouvelle Vague time, the wintry language of pop art’s transcription of advertisements and the quickness of magazine illustrations that absorb the light glare of fashion. Since Fedorova’s pictures seem to be infiltrated with the lipstick carmine they are superficially attributed by critics to the currently popular trend of trash glamour. This trend is occupied with the utilization of “glamorous garbage” of media images. Both pop art and Edward Hopper have been repeatedly huddled by this trend. Moreover, Hopper won recognition not so much for his own work as for the influence his pictures had on the frame composition in Alfred Hitchcock’s films. However, Fedorova’s attitude to the image recycling in cinema and photography is quite different. The phenomenon of global mass media recycling that exercised post-modernist minds of the late 20th century shows its other side at the beginning of the 21st. Now it brings attention to the image ecology. Fedorova sees her task not so much in the mythologization of mass copying as in the creation of a place for private art meditation beside the objects of mass worship. This is achieved by means of adding her interest to the impersonalized cult of the millions. Each of her painting in this sort of meditation – should it be focused on Pollock’s and Hopper’s styles or on Westwood’s and Chanel’s design. In the world that makes it more and more difficult to avoid substituting thoughts and emotions for their surrogates, artists’ work has again to imitate mechanisms of either self-making or self-purification. It is artist who is responsible for the vitality of silvery colour in Fedorova’s landscapes and the emptiness of the white appearing between two cups on a table in her still lives that make the space of these paintings living and unforgettable. The painterly device invented by Fedorova will always preserve freshness and clarity of world perception for everyone who happen to resonate with her pictures.
Ekaterina Andreeva,
D137 Foundation, Moscow
Fedorova spies out life devoid of its everyday smell. It looks almost ideal as if copied from the Vogue pages. Like black and white pictures by Jean-Luc Godard and Alain Resnais, Fedorova’s graphic works are very contained and expressive. Here and now her ‘shots’ betray references to the French Nouvelle Vague as well as to the works of Alfred Hitchcock, Patrice Leconte, Wong Kar-wai and Takeshi Kitano. Her drawings seem to hurriedly retell the stories of her favourite films while pliantly suggesting their new interpretation.
Olga Khoroshilova, Time Out
Natural sense of composition allows Marina to maximally unburden the plane of her works by taking details out of focus for the sake of general views. Fragmentary character of her stories, briefness of set-ups and dynamic framings liberate both the artist’s hand and a spectator’s eye...
Anton Uspensky
Graphics specificities and dynamics of form reflect an author’s bodily plastic, the speed of glance and the strength of touch. Marina Fedorova operates her brush easily and confidently.
Sofia Prokosheva, Nevskoe Vremya
Marina Fedorova paints "Au bord de la mer", video

sábado, novembro 17

Beatriz Milhazes, Rio de Janeiro / Brasil - pintura contemporânea

Avenida Brasil, 2003-04, acrílico sobre tela

Panamericano, 2004, acrílico sobre tela

Ouro branco, 2006, colagem sobre papel

Succulent eggplants, 1996, synthetic polymer paint on canvas

Nega Maluca, 2006, acrílico sobre tela

Nu azul, 1997, acrílico sobre tela

Chokito, 2006, colagem sobre papel

Pipoca Moderna, 2006, acrílico sobre tela

Sampa, 2005-06, acrílico sobre tela

The Sisters (As Irmãs), 2003, silkscreenon 638g Waterford paper

Beleza pura, 2006, acrílico sobre tela

Mariposa, 2004, acrílico sobre tela

O Sonho de José, 2003-04, acrílico sobre tela

Beatriz Ferreira Milhazes (Rio de Janeiro RJ 1960). Pintora, gravadora, ilustradora, professora. Formada em comunicação social pela Faculdade Hélio Alonso, no Rio de Janeiro em 1981, inicia-se em artes plásticas ao ingressar na Escola de Artes Visuais do Parque Lage - EAV/Parque Lage em 1980, onde mais tarde leciona e coordena atividades culturais. Além da pintura dedica-se também a gravura, e a ilustração. De 1995 à 1996 cursa gravura em metal e linóleo no Atelier 78, com Solange Oliveira e Valério Rodrigues e em 1997 ilustra o livro As Mil e Uma Noites à Luz do Dia: Sherazade Conta Histórias Árabes, de Katia Canton. Beatriz Milhazes faz parte das exposições que caracterizam a Geração 80, grupo de artistas que buscam retomar a pintura em contraposição à vertente conceitual dos anos 1970, e tem por característica a pesquisa de novas técnicas e materiais. Sua obra faz referências ao barroco, à obra de Tarsila do Amaral (1886-1973) e Burle Marx (1909-1994), à padrões ornamentais e à art deco, entre outras. Entre 1997 e 1998, é artista visitante em várias universidades dos Estados Unidos. A partir dos anos 1990, destaca-se em mostras internacionais nos Estados Unidos e Europa e integra acervos de museus como o MoMa, Guggenheim e Metropolitan em Nova York.
The clichés of Hispanic culture – carnival, Samba, joie de vivre resonate – are unobtrusively merged with symbols and thoughts of other times and cultures. Thus Milhazes achieves the coalescence of stylistic opposites and atmospheric ambivalences and creates "an overwhelming and seemingly irrational vitality"*.Her flowers undergo endless variations. One moment they are naturalistically painted, another moment they are abstractly transformed or only graphically suggested. While blossoms, flowers, circles, and coloured balls spill out of a visual centre, a seemingly inexhaustible variety and colourfulness fan out over the canvas. The flowers also enter numerous levels of visual depth. Parts of geometric or linear forms - like stripes, squares and rectangles - are closely interwoven, acting mostly as a background which itself is overlaid by other objects and forms, such as rings or flowers.The diverse patterns that cover the paintings should not be considered the subject but rather the medium of the works. The swirling arches and arabesques of blossoms, bows and balls visually refer to each other and let the eye circle around the image. The occasionally emerging objects, that are in most cases feminine and/or religious, for example pearls that can also be seen as rosaries, lose their reference through repetition and become just form. (...)
Galerie Max Hetzler, Berlin
Milhazes’s paintings are saturated with colour and loaded with designs loosely derived from flora and fauna motifs. Her sources range from native Brazilian popular culture and baroque religious art of the Americas to geometric abstraction and Op Art. She occupies a unique position between Western and Latin American traditions. Milhazes uses a technique similar to monotype or collage in her paintings where she builds up figurative elements gradually. Colour or ground is applied directly to the canvas with a brush while motifs are painted onto sheets of plastic which are later pressed onto the primed canvas, transferring the images. The accretion of paint results in a surface texture where some overlapping forms are fully present, while other earlier forms are partially obscured. The inherent imperfection of this process, in which images do not always transfer evenly or smoothly, simultaneously creates the impression of décollage and of images revealed when others are peeled away, in places exposing the under-drawing beneath. Recently, Milhazes has reintroduced collage into her repertoire and is attracted to the shiny, glittery surface of modern-day confectionary packaging. She is particularly drawn to chocolate wrappings which she incorporates in her work. The size and texture of these products in part determines the composition of each collage. Furthermore, the ornate calligraphy of the text on the wrappers, visible in may different languages, adds another conceptual and linguistic dimension to her work. Milhazes has titled her show at Stephen Friedman Gallery Joá, the name of a beach in Rio de Janeiro. The collages and paintings in the exhibition embrace her extensive artistic ancestry and allude to the tropical milieu of Brazil and the music and dance that epitomize the city and history of Rio de Janeiro. Milhazes has exhibited widely all over the world. In 2004 Milhazes had a solo exhibition at Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan. In the same year, Milhazes was commissioned to make a work for the façade of Selfridges Manchester Exchange Store. In 2003 Milhazes had a solo exhibition at Domaine de Kerguehennec-Centre d’Art Contemporain, Bignan, France. In the same year Milhazes represented Brazil in the Venice Biennale at the Brazilian pavilion. Recent group exhibitions include São Paulo Biennale, São Paulo, Brazil in 2004 and 2002 and Urgent Painting, Musee d’Art Moderne de La Ville de Paris, Paris in 2002. This year, Milhazes was selected for a special commission at Tate Modern Restaurant which will be on view through 2007. She has also recently completed an ambitious project at Gloucester Road underground station which was commissioned by Platform for Art. The project will run until through May 2006.
Stephen Friedman Gallery, London

domingo, novembro 11

Miquel Barceló, Maiorca / Espanha - pintor contemporâneo

La grotte, 2002, técnica mixta sobre tela

Fruits de Novembre, 2004, técnica mixta sobre tela

Pluja contracorrent II, 1991, técnica mixta sobre tela

Poisson coupé en sept parties, 1986, técnica mixta sobre tela

Bâteau B.N., 1984, técnica mixta sobre tela

Grand Crâne Central, 2006, técnica mixta sobre tela

Grand fonds submarin, 2001, técnica mixta sobre tela

De rerum natura, 1992, técnica mixta sobre tela

Porto Corvo, 1984, técnica mixta sobre tela

Caballos y raíces, 2000, técnica mixta sobre tela

Atelier sepia avec modèle, 1994, técnica mixta sobre tela

Fum de cuina, 1985, técnica mixta sobre tela

Fuerte Marejada, 2003, técnica mixta sobre tela

In Vitro, 1987, técnica mixta sobre tela

Sin título, 1992, técnica mixta sobre tela

Els Diaris Vells, 2004, técnica mixta sobre tela

Bodegón, 1984, técnica mixta sobre tela

La plata, 1987, técnica mixta sobre tela

Smoke and water, 1987, técnica mixta sobre tela

La rosa blanca, 1986, técnica mixta sobre tela

Deux saussures, deux fenêtres, 1986, técnica mixta sobre tela
Tête de gorille albinos, 1999, técnica mixta sobre tela
Miquel Barceló nasceu a 8 de Janeiro de 1948, em Felanitx, Maiorca
Estudou no Instituto de Felanitx, e logo depois iniciou os estudos de arte na Escola de Artes e Ofícios de Palma de Maiorca. Continua os estudos em Barcelona na Escola de Belas Artes de Sant Jordi onde se increveu em 1975 mas frequenta-o apenas durante alguns meses. Em 1976 incorpora um grupo maiorquino de arte conceptual chamado Taller Lunatic.
O reconhecimento internacional chegou depois da sua participação na Bienal de São Paulo em 1981 e na Documenta de Kassel em 1982. Uma das suas principais características é o tratamento da matéria pictórica nas suas pinturas para conseguir efeitos de relevo. Miquel Barceló pretende incorporar o ritmo da vida e do tempo nas suas pinturas. É obcecado com o significado da arte e como a pintura pode gerar significado. Desde que viajou para Paris em 1975, absorveu uma grande variedade de influências artísticas e literárias: da tradicional pintura espanhola de Velázquez, Miró e Tapiés, de seus contemporâneos como Keith Haring, Jena-Michel Basquiat e Francesco Clemente, que conheceu como único representante espanhol na 7.a Documenta de Kassel, 1982.
As suas obsessões com a materialidade e o significado da pintura fundiram-se de uma forma explosiva quando abandonou a Europa em 1988 para experimentar a vida em África. Não estava à procura de algum tipo de exotismo nostálgico ou de nobreza selvagem, mas apenas para abandonar tudo o que lhe era familiar e confrontar a incerteza. Neste ambiente estranho, longe de todas as referências europeias, o seu trabalho sofreu uma enorme transformação.
A escassez dos materiais típicos da arte criou-lhe a necessidade de usar tudo o que pudesse encontrar: pigmentos locais e sedimentos marinhos são alguns exemplos. Quando regressou à Europa, este desenvolvimento encontrou expressão em enormes telas, que se tornaram a sua imagem de marca. Barceló limpou as suas telas de todas as referências culturais e autobiográficas que até aí eram frequentes e explícitas, substituindo-as por enormes extensões paisagísticas. Nesta fase as suas pinturas tornaram-se brancas, desoladas e desprovidas de ironia. Mas este branco não significa ausência mas o evitar do excesso. Fisicamente as superfícies eram ainda construídas com camadas de resina, tinta e verniz.
As viagens e estadias pela Europa, Estados Unidos da América e África ocidental marcaram a sua trajectória artística ao longo do tempo. A sua obra reflecte interesse pelos motivos procedentes da natureza, tanto terrestre como marítima, tratados numa paleta densa, espessa e geralmente obscura, sendo já uma influência para artistas mais jovens.
Expôs pela primeira vez individualmente num museu em 1985 no CAPC de Bordéus: uma selecção de trabalhos do período entre 1983-1985 que foi também apresentada no Palacio de Velázquez de Madrid, em Munique e em Boston. Em 1996, sob a organização do Ministério da Cultura francês, apresenta em Paris no Centro Georges Pompidou e na Galeria Nacional Jeu de Paume uma ampla série de trabalhos - telas de grandes formatos, desenhos, esculturas - realizados desde a sua primeira viagem a África, grande parte deles inspirados na descoberta daquele continente.
Em 1998 numa exposição retrospectiva no MACBA, Barcelona, apresenta uma grande parte da sua obra realizada entre 1987 e 1997. No ano seguinte, numa outra grande exposição retrospectiva no Museu Nacional Rainha Sofia, Madrid, a sua obra sobre papel realizada entre 1979 e 1999. Ainda em 1999 recebe o Prémio Nacional da Catalunha de Artes Plásticas. Em Junho de 2003 foi laureado com o Prémio Príncipe das Astúrias para as Artes.
Fonte: Wikipédia, Biografias
Su meteórica carrera y el reconocimiento internacional hacia su obra, en la que la simbiosis entre la naturaleza y el arte, los elementos pictóricos y los materiales orgánicos han sido una constante, convirtieron a Miquel Barceló en el ídolo a imitar para los jóvenes artistas. Nacido en la localidad mallorquina de Felanitx (1957), sus primeros contactos con el arte fueron a través de los pinceles de su madre, que retrataban los paisajes de la isla.
Pero fue su primer viaje a París, en 1974, el que le abriría los ojos al ARTE con mayúsculas, a través de las obras de Paul Klee, Fautrier, Wols y Art Brut. Dos años después realizaría su primera exposición individual, bajo el título de 'Jeroglíficos mudos'.
Ya entonces destaca en su pintura el interés por la naturaleza, que le llevó a unirse a la batalla ecologista contra la urbanización de la isla Dragonera, en la que permaneció durante días, pintando únicamente con los materiales que encontró. Desde entonces, la incorporación de elementos orgánicos a sus creaciones y la búsqueda de los orígenes convirtieron señas de identidad.
La década de los 80 supuso para Barceló una etapa muy fructífera, marcada por los viajes a París, Nápoles, Portugal y las exposiciones internacionales, que culminaría con la concesión del Premio Nacional de Artes Plásticas en 1986. Ese mismo año Barceló se instala en Cap Farruxt (Mallorca) el epicentro de su producción.
Su primer viaje a África, en 1988, marcó un antes y un después en su pintura y le otorgó un aura de viajero y aventurero romántico que engrandeció la dimensión artística de este creador con alma de niño venerado como una estrella de rock.
Además de la pintura, Barceló experimenta con la cerámica, la ilustración, la escenografía artística, sin renunciar a sus viajes en los que el contacto directo con la naturaleza, con los paisajes y sus gentes queda patente en sus obras. "Tengo una relación muy fuerte con las cosas que me rodean. Pinto lo que como" ha afirmado Barceló, para quien el arte es "producto de la necesidad", un "milagro irrepetible" que no es necesario definir, que nunca se acaba de entender.
Durante su trayectoria han sido frecuentes las colaboraciones con otros artistas como Javier Mariscal, Tápies, Sicilia; los escritores Paul Bowles y Evgen Bavcar y los cantaores flamencos Rancapino y Camarón de la Isla.
El interés de la crítica por el 'fenómeno Barceló', consagrado ya como uno de los grandes artistas españoles contemporáneos, continuó creciendo, y los documentales, retrospectivas sobre su obra y exposiciones en todo el mundo se suceden durante toda la década de los 90, en la que reparte su tiempo entre Mallorca, Malí y París.
Entre sus últimos proyectos destaca el recubrimiento cerámico de la Capilla de Sant Pere de la Catedral de Palma de Mallorca, la ilustración del libro 'La Divina Comedia', de Dante Alighieri, editado por el Círculo de Lectores o los decorados y el vestuario de la ópera de Mózart, 'El rapto del Serrallo'.
Marta Arroyo
Cultura El Mundo Es
Miquel Barceló pinta la cúpula de la ONU:
El artista Miquel Barceló, nacido en Felanitx, Palma de Mallorca, se encuentra a los 50 años ante el gran reto de su carrera, pintar la cúpula de 1.500 metros cuadrados del palacio de las Naciones Unidas de Ginebra (que a partir de ahora se va a llamar de los Derechos Humanos y de la Alianza de las Civilizaciones).
Según explica él mismo “será la pintura llevada a sus límites físicos”; y agrega que lo “acojona bastante” y que “es una obra apasionante aunque complicada. Me forzará a llevar al extremo mi modo de trabajar. Estoy acostumbrado”.
También comenta que "en cada elemento habrá capas y colores sobrepuestos, como en una cebolla”, aunque no quiere hablar mucho de “cómo es y se gesta la obra porque trae mala suerte".

Para su gran obra, Barceló utiliza 30 toneladas de pintura y pigmentos, y dice “aún estamos experimentando con materiales. Hacemos pruebas y observamos muchos detalles. Casi todo está en ciernes”.
El artista no está solo, tiene a su alrededor “una quincena” de colaboradores y especialistas franceses, suizos y españoles; y está bajo la tutela de Eudald Guillamet, experto restaurador que ya trabajó en la tumba de Ramsés VI y en la recuperación de pinturas rupestres.